Mostrando entradas con la etiqueta Cine. Mostrar todas las entradas
Mostrando entradas con la etiqueta Cine. Mostrar todas las entradas

jueves, 15 de agosto de 2013

Una foto por día del peor año de mi vida



“Una foto por día del peor año de mi vida” es el nombre de el video subido a Youtube por una mujer serbia que muestra, gradualmente, marcas en su rostro y parte de su cuerpo.
Durante el 2012, cada día, Jedna se tomó una foto. En las primeras imágenes se ve una mujer feliz, sonriente y sin marcas, pero con el correr de los días la situación va cambiando, su sonrisa se desvanece y las huellas de la violencia aparecen en su rostro. Cada día esa violencia se vuelve más intensa. Al final, la joven sostiene un papel que dice: “Ayúdame. No sé si podré aguantar hasta mañana”.
Éste video, que ya superó las 5millones de visitas, ha generado una gran incertidumbre ya que no se ha podido comprobar si es un video casero o es parte de una campaña contra la violencia. Cualquiera sea su origen, su destino es claro: decirle no a la violencia contra las mujeres.


domingo, 9 de junio de 2013

Se proyectó "Nosferatu" con música en vivo en el cierre del REC

Momentos previos a la proyección (foto oficial del REC)


Por Bárbara Dibene

Un nuevo Festival de Cine de las Universidades Públicas (REC) finalizó el pasado sábado 8 de Junio con la proyección del filme "Nosferatu", del cineasta alemán Friedrich Murau, con música en vivo improvisada a través de lenguaje de señas por el grupo independiente "Metacaño"; algunos de sus miembros fueron parte de la Facultad de Bellas Artes, una de las instituciones organizadoras en conjunto con el Teatro Argentino de La Plata, sede del evento.


La sala Alberto Ginastera se convirtió esta vez en un cinematógrafo, y cientos de personas realizaron un viaje en el tiempo para ver una obra maestra del cine mudo: "Nosferatu"; considerada la primera película del género del terror, se trata de una adaptación de la novela de Bram Stoker, "Drácula". Su director no utilizó el título original para no pagar derechos de autor.


La tensión de la trama fue perfectamente acompañada por la música que supo poner el acento en las escenas definitorias y confundirse con la esencia de la película. Los músicos responsables fueron Sebastián Cavallaro y Guillermo Veraen saxo alto; Esteban Cicatlli en saxo tenor; Rodrigo Runco en saxo barítono; Manuel Secchi y Alejandro Navone en trompeta; Sergio Gicolini en trombón; Pablo Girardi en tuba; Sebastián Piatti y Bernardo Diez en percusión; y Richard Nant en dirección, trompeta y flugelhorn.


El proyecto del REC nació en 2010 como un espacio de difusión de las actividades audiovisuales realizadas por estudiantes de la UNLP, y se amplió al resto del país y latinoamérica; la competencia está dividida en cuatro categorías: ficción, documental, animación y experimental. Además, en esta cuarta edición se realizaron charlas de Dirección de fotografía, Proyecto de cine independiente, Publicidad y postproducción en Argentina, Narración plano a plano; y una conferencia sobre guión a cargo de Fernando Castets, el reconocido guionista de "Luna de Avellaneda", "El hijo de la novia" y "El mismo amor, la misma lluvia".


Transeúntes los invita a seguir de cerca a estos jóvenes emprendedores y estar atentos a la próxima edición.



domingo, 9 de septiembre de 2012

ContraTiempo, documental de Transeúntes



A mediados de abril de este año, la noticia sobre la clausura de Pura Vida inundó de malestar las aulas de la Facultad de Periodismo, contaminó la zona de Bellas Artes, y corrosió las relaciones de la naciente organización de músicos platenses con la Municipalidad. Días más tarde, enmarcado en el operativo "de nocturnidad", Control Urbano continuó cerrando bares y centros culturales de la ciudad de La Plata.

Estos episodios nos sirvieron a Transeúntes para empezar a indagar sobre la cuestión de las políticas culturales en la ciudad. Los llamados "cierres sistemáticos" fueron el puntapié para que investigáramos y diéramos con una notable y contradictoria falta de regulación del trabajo del músico. 

Del principal problema, la precarización laboral, se desprende el de que los artistas deban pagar para tocar a los dueños de los bares y boliches, abonar el sonido y ceder un porcentaje de las entradas vendidas. Por el lado del Estado, hasta no hace mucho tiempo, no había lugares destinados para que los intérpretes y compositores pudieran actuar, ni tampoco recibir alguna remuneración por su arte. Desde la Secretaría de Cultura y Educación, por contacto y coordinación con Músicos Platenses Organizados (MPO), se creó el Ciclo de Música Abierta en Vivo en el Pasaje Dardo Rocha en el que todos los viernes distintas bandas tocaban y cobraban por su actuación.

Desde mayo, un grupo de alumnos del Taller de Producción Audiovisual II y redactores de Transeúntes comenzamos a contactarnos con varios miembros de MPO, con Diego Cabana, dueño del Bar Pura Vida, asistimos a las asambleas de amigos y vecinos de Pura Vida y empezamos los contactos con la Secretaría de Cultura para poder entrevistar al secretario José Cipollone.

A la vez, el grupo de folclore litoraleño instrumental Ullónkuera se sumó al proyecto para que pudiéramos grabar sus ensayos y un show en el mencionado bar. Para esta actuación, con gran predisposición Diego Cabana abrió el lugar solamente para que pudiéramos filmar y tomar con prolijidad el sonido desde la consola.

En el documental la música convive con los problemas, los tironeos, las propuestas, los reclamos y las soluciones; su ritmo se acelera y se detiene, las obras se terminan, empiezan otras.


Contratiempoes una nota tocada fuera del momento rítmico fuerte. Es una voz luego de un silencio. Desfasada pero audible. Es el cierre sistemático de los escenarios de la música, es aquel silencio, pero es también la organización y el reclamo, es la respuesta dada más tarde. La nota que falta es la que todavía se espera, que se hace esperar, no en silencio porque resuena en promesas, en compromisos, en cambios.
El corto presenta la problemática de los músicos que se encuentran al final de sus ensayos sin lugar para tocar, en una ciudad siempre conocida como semillero de artistas, donde los bares son cerrados pero también donde centenares de intérpretes y compositores se organizan para luchar por dignas condiciones de trabajo.


Desde Transeúntes esperamos que con el documental ayudemos a que las voces suenen más fuerte y se contagien, se hagan coro y que quien deba dar aquella nota, Estado y privados, presentes a medias, la escriba de una vez y por decreto.


martes, 3 de julio de 2012

De eso SI se habla

Por Jonathan Pender
Imagina toda la gente viviendo en paz.
Imagina toda la gente compartiendo todo el mundo.
Tú puede decir que soy un soñador, pero no soy el único,
espero que algún día te nos una y el mundo vivirá como uno solo.
Jhon Lennon

No hablar es ocultar, negar, cegar la realidad. Es caer una y otra vez en el encasillamiento social determinado entre el hombre y la mujer, lo femenino y lo masculino. Comunidades como la de Travestis, Lesbianas, Gay, Transexuales e Intersexuales han sido acalladas por mucho tiempo. Hoy recobran su voz gracias a la aprobación de la primera Ley Nacional de Identidad de Género (año 2012), que los/as reconoce como miembros de un aparato político social, que acepta y respeta sus elecciones sexuales. Si bien se están gestando nuevas concepciones a nivel público respecto a género, institucionalizadas a través de nuevas leyes, ¿hasta qué punto estamos preparados como sociedad para  aceptar y producir una apertura en la visión social respecto al sexo?

Para darle voz a los silenciados, cualquier tipo de representación ficcional o cultural de una identidad genérica minoritaria ayuda a posicionar la temática socialmente visible. Este es el caso de la intersexualidad, comúnmente denominada como hermafroditismo. La respuesta habitual, respecto de las identidades que están fuera de la heterosexualidad, o de la “normalidad”, es la de “de eso no se habla”. La condición de tabú no sólo priva a estas identidades de espacio discursivo sino que hace que resulten invisibles, como si no existieran.

Hasta el año 2007 no era común que las personas hermafroditas fueran protagonistas centrales de una novela o película. De alguna manera eran negados de la realidad. En este sentido, “XXY” la ópera prima de Lucía Puenzo (nacida en 1976) contribuyó de una forma muy positiva a la muestra de un género, que hasta hace muy poco, era considerado como algo “raro”. De esta forma, comenzó a resquebrajarse paulatinamente un paradigma social fuertemente instaurado. Pero sin embargo, la temática tratada continúa afuera de las discusiones a nivel público, que se dan en la sociedad por desinformación, desinterés y por una visión cultural hegemónica que rechaza todo lo que escape de lo que es considerado como "normal".

Vivimos en una sociedad en la que comúnmente se suelen realizar encasillamientos clasificaciones con respecto a las personas: Peronista o Radicales, gordos o flacos, altos o bajos. Puenzo, en una época donde no era común que la ficción se ocupara de esos temas, lo hizo asumiendo todos los riesgo que ello conllevaba; como por ejemplo que el público no entendiera su film o que lo rechazaran por mostrar lo oculto.

De una forma muy sensible y sutil la directora narra la historia de Alex (Inés Efrón), una joven de 15 años que nació con hermafroditismo y que creció tomando hormonas femeninas para suprimir sus rasgos masculinos ya que sus padres, Kraken (Ricardo Darín)  y Suli (Valeria Bertuccelli), decidieron no mutilarla en el momento del nacimiento.

La familia,  por miedo “al qué dirán”, abandona Buenos Aires y se instala en la costa uruguaya para aislar a su hija de la sociedad y para que creciera protegida de los prejuicios. Posteriormente la protagonista va sentir la presión y marginación de los habitantes de su ciudad, siendo catalogada como “la rara”. Como sociedad es necesario comenzar a construir una mirada diferente de lo que es ser intersex, para llegar a entender que no equivale a sentir dolor o tener que ser operado para definir un sexo y gozar de él.

La mirada del otro siempre está presente en cada uno de nuestros actos y pocas veces suele no importarnos. Nos movemos, decimos y hacemos en relación al otro. ¿Por qué?, simplemente porque somos seres sociales que vivimos en sociedad. Eso que hicieron los padres de Alex, también lo hacemos nosotros muchas veces. Nos ocultamos, escapamos para no dar explicaciones.

Los preconceptos que existen frente a la persona intersexual continúan muy sesgado en la sociedad y en varias ocasiones se lo banaliza confundiéndolos/as con el travestismo. Por el desconocimiento y desinformación, es un tema del cual no todos estamos enterados en gran medida. Los individuos tenemos más internalizados y aceptados a quienes eligen cambiar su sexo y/o apariencia física por una elección de vida, que a quienes nacen de esa forma y se aceptan tal cual son.

Otra joven cineasta que trabajó con el hermafroditismo fue Julia Solomonoff (nacida en 1968). En el año 2009 realizó “El último verano de la boyita”, un film absolutamente tierno y que además refleja lo desarrollado en la nota: los temas tabúes. El protagonista de la historia es Mario, un pequeño xxy que trabaja  como peón en el campo, que enfrenta las inquietudes de un cuerpo que, de forma inesperada, comienza a sufrir transformaciones que él no comprende, pero que percibe como “anormal” y lo mantiene en secreto. Sus padres nunca le dijeron la verdad de su condición.  

El niño conoce a Jorgelina, en quien deposita toda su confianza y le cuenta su gran secreto: -“Yo no soy igual que todos”, le dijo con miedo. A lo que ella le contesta de forma muy natural -“yo tampoco”. Sutilmente Solomonoff logra registrar la distancia que hay entre la naturalidad con que la nena acepta la diferencia y el malestar que manifiestan en los otros, como por ejemplo su padre y compañeros de trabajo. Ésta va desde la vergüenza a la negación, pasando por el castigo físico y psicológico.

La joven, pero no inexperta directora, realiza la misma lectura de la sociedad que hacemos nosotros en “Tapú”. En el año en que se realizó el rodaje de la película, se presentaron los proyectos y se iniciaron los debates para la sanción de la ley de Matrimonio Igualitario y la de Género, pero de todos modos decidió contar y hablar de lo que no se habla a nivel colectivo.

Tanto “XXY” como “El último verano de la boyita”, son dos películas que narran la identidad de las personas y la mirada del otro. Una perspectiva prejuiciosa, ambigua, cruel y en pocas oportunidades condescendiente. Una visión que aún continúa presente, aunque no de la misma forma. Decir que no se han producido cambios a nivel político y social sería caer en la mentira y en la negación. Pero queda mucho camino por recorrer, mucho que entender. Porque por más que se hable del tema y se intente naturalizarlo, si no comprendemos e intentamos ponernos en la situación del otro, todo puede llegar a resultar en vano.

Como sociedad tenemos que replantearnos muchas situaciones, involucrarnos e informarnos. No somos todos iguales y hablar de esas diferencias no es discriminar a lo que se sale de la norma, sino que hace que entendamos que existen tantas identidades como personas en el mundo.  Aún con Ley de Matrimonio Igualitario y Ley de Identidad de género, muchas personas continúan bajos los cánones de blanco o negro, hombre o mujer. 



XXY


Último Verano De La Boyita

martes, 22 de mayo de 2012

“Elefante Blanco”: entre lo real y lo ficcional




Un cura villero. Ese es el papel que le tocó encarnar a Ricardo Darín en “Elefante Blanco”, el último film del joven director cinematográfico Pablo Trapero.

La película está rodada íntegramente en ciudad oculta, una villa emergente localizada en la ciudad autónoma de Buenos Aires. Narra de forma cruda una realidad que existe y que en este caso se encuentra, como bien su nombre lo indica, oculta.

Ahora bien, ¿Era lo único que había para contar? Probablemente hayan existido infinidades de historias que podrían haber sido contadas, pero los guionistas decidieron   elegir una de ellas. ¿Cuál?, la del tráfico de drogas, la violencia entre los jóvenes, el desinterés por parte del gobierno de la ciudad en ayudarlos. Esto no está ni bien ni mal, sólo hay que tener en claro que la villa 15 (ciudad oculta) no es solamente lo que se muestra en los 106 minutos que dura el largometraje, que es un recorte de la realidad.

¿Por qué “Elefante Blanco”? Elefante Blanco es un edificio que está a medio construir y que fue pensado en 1937 por el diputado socialista Alfredo Palacios como uno de los hospitales más grandes de Latinoamérica. La obra fue abandonada y retomada por el gobierno de Juan Domingo Perón, pero tampoco pudo ser concluida (aunque intenciones por parte del gobierno nacional sobraban) debido a la caída del peronismo y la posterior llegada del autodenominado “proceso de reorganización nacional”. La obra nunca llegó a concretarse y en la actualidad persiste como símbolo del lugar.

Martina Gusman es la protagonista femenina, interpreta el papel de una trabajadora social, muy comprometida con las problemáticas que se van desarrollando a lo largo de toda la película. La dupla Gusman/Darín, Darín/Gusman fue más que probada y aceptada por el público y los medios en “Carancho” (también dirigida por Trapero). Ambos se transformaron en los actores fetiches del director. No es un dato menor el que Martina Gusman sea la esposa de Trapero y que este haya elegido a Ricardo como compañero de dupla actoral de ella. Son el complemento perfecto.

Jérémie Renier, el actor belga, termina de completar la lista de actores protagónicos. Él también interpreta a un cura villero y llega a ciudad oculta a trabajar porque conoce al padre Julián, el rol que desarrolla Ricardo Darín.

Gerónimo, el personaje de Jérémie Renier, va a crear vínculos muy importantes con Lucía (Martina Gusman) que le va a dar un toque diferente al film. No les voy a contar de que tipo son esos vínculos, así que usen la imaginación y vayan a apoyar al cine nacional. (No sean perversos en sus pensamientos. O sí, como quieran).

Una de las características del cine argentino (y de lo que muchos espectadores se quejan) es el ser lento, con muchos diálogos y poca acción o efectos especiales. Esta película tiene todo eso, pero a diferencias de otras esa lentitud que puede llegar a ser molesta en este caso no lo es; en un punto el espectador agradece que lo sea. Es decir, muchas de las escenas son representadas con planos cortos, con el fondo fuera de foco, con representaciones corporales y poco diálogo. Pero lo que se quiere contar no pierde el sentido, sino que todo lo contrario, se crea un clima de intriga atrapante.

Como ya se mencionó,  la película pretende dialogar con la realidad, y es en ese momento donde se destaca la figura y la obra del padre Mugica, quién trabajo en los barrios de emergencias hasta que fue asesinado. Cabe aclarar que NO es, como se dijo en muchos lados, su biografía. Pero sí está presente en todo el largometraje.

El final (no se asusten porque no se los voy a contar) es un tanto previsible, pero necesario. De alguna manera se anuncia casi a la mitad de la película, aunque toma un vuelco que el espectador no se espera y que sorprende.

La peli se estrenó el 17 de este mes y se espera que este en cartelera por mucho tiempo. No cuelguen y vayan a verla, y como siempre digo saquen sus propias conclusiones.








domingo, 20 de mayo de 2012

Film platense en Cannes




Transeúntes entrevista hoy a Gwen Joyaux, licenciada en Producción Multimedial y Comunicadora Audiovisual de la facultad de Bellas Artes de la UNLP, cuyo corto "Cenizas" se encuentra en pleno vuelo hacia el festival de Cannes para participar del Short Film Corner.

"Cenizas" fue rodada en el Parque Pereyra Iraola y se inspiró en la masacre de General Villegas del 8 de mayo de 1992. Sus protagonistas son Edgardo Desimone como el comisario que investiga el crimen, y Diego Cremonesi como el dueño de la estancia donde se encontraron cinco cadáveres y quien se perfila como principal sospechoso.


¿Qué significa para vos la presencia en el festival de Cannes? ¿Cómo llegas a tener un espacio en el Short Film Corner?

Es un hecho muy gratificante que creo que alegra y motiva a todo el equipo que participó de la producción. ¡Estar ahí ya es un premio! Llegar fue una sorpresa, porque el Departamento de Cortometrajes del INCAA envió el corto y yo lo encontré un día, de casualidad, en el catálogo on-line del Festival de Cannes mientras navegaba.

¿Qué balance harías del proyecto de "Cenizas"?

Aunque es un proyecto que lleva ya muchos años debido a los tiempos dilatados de producción y liberación de cuotas que maneja el instituto, el balance final es sin duda positivo porque representa un crecimiento y un entrenamiento en el circuito industrial. Es un proyecto que para mí resultó súper fragmentado en el tiempo, ya que lo escribí en el 2008, lo premiaron en el 2009, se filmó a finales de 2010, se terminó de ampliar a 35 mm a principios de este año y se va estrenar en Argentina a mediados de Junio. Para mi gusto es una barbaridad de tiempo para la finalización de un corto, pero convengamos que en general no me caracterizo por ser paciente. A lo largo de ese tiempo trabajé en otras 6 películas, realicé otros 3 cortometrajes de manera independiente y escribí otras tantas cosas. 

Por momentos, me desligaba de "Cenizas" y mi contacto con el proyecto se tornaba esporádico y muy relacionado con asuntos burocráticos que había que ir cerrando para avanzar etapas (creo que esa es una de las partes que más padecimos del proyecto junto con Nadia Estebanez, la productora del cortometraje). Pero lo cierto es que el balance es sin duda positivo. Fue una experiencia de aprendizaje y de vinculamiento con el INCAA y la etapa de apreciar y disfrutar los resultados recién está comenzando, ya que con Cannes se inaugura la circulación por festivales y a partir de Junio se va a estrenar en el país. Así que esto sigue y se proyecta bien.

¿Cómo fue el rodaje? ¿Qué beneficios e inconvenientes tuvo filmar en La Plata?

Fue un rodaje complicado, pero todos lo son de un modo u otro, así que no es novedad. Filmar en el Parque Pereyra acarreó sus inconvenientes, principalmente de energía eléctrica. El clima nos jugó en contra también. En definitiva, pasaron unas cuantas cosas que hicieron que un rodaje que parecía que iba a salir de una, se retrasara un par de días. Pero se logró filmar y opino que eso es debido principalmente a un equipo talentoso que funcionó de maravilla, y al apoyo de Pedro Antonio Castrioti del equipo de guardaparques y la colaboración de las hermanas del Colegio María Teresa Pereyra. 

¿Consideras que el producto pudo reflejar el espíritu del guión?

Sí, es de hecho una de las observaciones que hizo el equipo de coordinadores del INCAA: el cortometraje refleja el guión al pie de la letra.

¿Cuáles fueron las ideas que dieron pie a la historia?

Por un lado, una nota periodística que encontré navegando por Internet acerca de una marcha que hacían en el pueblo de General Villegas en conmemoración y reclamo por la masacre de 1992. Por otro, un espíritu piromaniático deseoso de filmar una escena en la que se incendiara un campo (risas).

¿Cómo llegas a participar del concurso organizado por el Incaa "Historias breves"? ¿Cuánto le debe Cenizas a ese premio?

Fue un arranque de locura productiva o una necesidad de escape creativo. Estaba transitando una etapa no del todo buena y trabajando como Diseñadora Multimedia hacia unos meses, era un trabajo que no me gratificaba para nada (pero que necesitaba mantener). Andaba a la caza de lo que me motivara y con muchas ganas de hacer algo que tuviera que ver con el cine. Entonces me llegó por mail el dato de que en una semana cerraba el plazo para presentar a Historias Breves, yo había escrito el guión hacía unos meses y lo tenía encajonado. 

Por el sólo hecho de distraerme un poco del trabajo y de ver si cumplía con el desafío, me propuse en esa semana armar la carpeta de presentación al concurso, en el cual el guión era uno de los 12 ítems que solicitaban. O sea, me faltaba mucho por desarrollar y presentar el proyecto. Así que esa semana no hice nada en mi trabajo y me dediqué día y noche a completar la carpeta. Llegué a presentarla el día del cierre, 15 minutos antes de que cerraran la mesa de entradas del INCAA. Y además, conseguí que no me echaran del trabajo (aunque terminé renunciando no mucho tiempo después para trabajar en una productora).

Cuando a los meses me llegó la carta documento del INCAA avisándome que había ganado, primero me pegué un susto tremendo porque me había olvidado por completo ya que...armé la carpeta en una semana! ¿cómo iba a sospechar que estaría a la altura de ganar?,¡ y encima me lo avisan con carta documento! Creí me había metido en un lío tremendo y no sabía ni por qué, Cenizas se hizo enteramente gracias a la existencia de ese premio.

martes, 1 de mayo de 2012

Cine platense transitando por Toulouse




La película “Al Cielo”, dirigida por Diego Prado y escrita por María Eugenia Cortajarena, quienes pasaron por la carrera de Artes Audiovisuales en la facultad de Bellas Artes (FBA), participó recientemente en festivales en Buenos Aires y la ciudad francesa de Toulouse.

Junto a filmes de México, Chile, Brasil y Argentina, la ópera prima de Diego Prado guionada por María Eugenia Cortajarena, se presentó en la selección oficial de largometrajes del Festival Rencontres Cinémas d’Amérique Latine de Toulouse, al sur del país galo. También fue exhibida en 4 funciones y participó en la Competencia Argentina del Bafici, que tuvo lugar en Buenos Aires del 11 al 22 de abril.

La película, filmada íntegramente en La Plata y protagonizada por Enrique Lunazzi, fue producto del 3er Festival FestiFreak que se realiza todos los años en el Centro Cultural Dardo Rocha. En la edición 2011, Cortajarena ganó el concurso de Guión para largometraje. En diálogo con Transeúntes, la alumna de la FBA comentó: “Tenía colgado el guión hace varios años, lo retomé cuando me enteré del concurso del FestiFreak”. Sobre el proceso creativo del libro dijo que “los disparadores fueron “el ídolo muerto” y la religión con sus puntos de contacto con la música”. “Había escrito una parte, tenía más o menos la estructura, lo reformulé porque había cosas que ya no me gustaban, traté de encararlo de otra manera” agregó.

Durante el rodaje de la película, explicó su guionista, participaron varios estudiantes de Artes Audiovisuales: “Yo fui asistente de Dirección de Arte, por ejemplo. Estuvo bueno porque en general los guionistas quedan un poco afuera. A mí me interesaba ver cómo iba tomando forma el proyecto”.

La historia que plantea “Al Cielo” es la de un adolescente que se encuentra en un momento de su vida en el que su máximo ídolo se suicida  y la religión y la música le sirven como vínculo para encontrarse con un mundo nuevo y negado.


Redacción de Transeúntes


sábado, 24 de marzo de 2012

Fin de camino




Luz amarilla. Vamos frenando...

El próximo 21 de mayo, luego de 8 temporadas de un éxito incalculable, la serie norteamericana Dr House llega a su fin. Muchos no sentirán la falta de la historia del cínico personaje, pero hay quienes ya están sufriendo anticipadamente y se disponen a disfrutar del gran final que nos tienen preparado.

La serie fue creada por David Shore y en el 2004 salió al aire por primera vez a través de  la cadena Fox.  Desde entonces los personajes han ido y venido, pero Gregory House (interpretado por Hugh Laurie) se mantiene hasta hoy como la cabeza del proyecto que convirtió  a sus actores en los mejores pagos de la historia de la televisión de Estados Unidos. Un título no menos atractivo para el currículum.

Aunque fueron varias las veces en que hubo rumores de dar por terminada la serie, esta vez parece que la cosa va en serio.  Así lo dan a entender los responsables, que comunicaron la fecha en los medios justificando la decisión de una manera sabia, no quieren que se pierda la esencia del personaje. ¿Vale la pena otra temporada con un House que se vuelva “bueno”? Es mejor que las cosas se terminen a tiempo y dejen un buen gustito.

Por ahora habrá que esperar al 2 abril, momento en el cual comienza la cuenta regresiva. Restan 8 capítulos antes del ansiado final, y se conoce públicamente que el penúltimo episodio referirá a los momentos más importantes de toda la serie a modo de recordatorio.

Como consuelo, Hugh Laurie prepara su llegada a Argentina para junio de este año. El mítico actor viene en calidad de cantante a presentar su primer disco, Let them talk, en el Luna Park. Las entradas están a la venta desde el 5 de marzo, y por supuesto se espera que haga furor entre los fans de la serie y de su música blues.

Guiño a los fanáticos y a no desesperarse, que siempre van a tener las repeticiones y el poder de la imaginación para pensar un final alternativo.


domingo, 18 de marzo de 2012

Habemus Cine


 

Este año La Plata sigue ofreciendo dos propuestas en materia de cultura cinéfila que no 
podemos desaprovechar; por un lado –en su décimo año- el ciclo de cine en Bukowski bar 
(59 entre 6 y 7) y por otro, el ciclo Freak Show en el Pasaje Dardo Rocha (50 entre 6 y 7).

El primero nació de la mano de Luis Gonzalez, que en 2001 llegó con su proyecto al ex bar Capitán Escarlata (9 y 59) y se trasladó en 2003 a su actual punto de encuentro para ser el ciclo de cine ininterrumpido más antiguo de la ciudad. El segundo tiene sus orígenes en 1995, cuando Jorge Gil, Roberto Mallo y Federico Mutinelli consiguieron, a través de la Facultad de Bellas Artes, que se les preste el viejo auditorio de Pasaje Dardo Rocha. Por cuestiones políticas universitarias hubo cortes, pero la estabilidad la recobraron en 2002 para no dejar de crecer y llegar hasta lo que es hoy el Festifreak.

Todos los jueves a las 22hs en Bukowski se despliega una pantalla y Luis, organizador y dueño de un videoclub desde hace ya 21 años, se pone al micrófono para explicar en breves palabras de qué trata el ciclo y presenta la película del día. Anteriormente, los espectadores se sorprenden con cortos multipremiados que hicieron historia, que son homenaje, o simplemente que no pueden dejar de verse.

“Shhh ahí empieza” dice alguien y todos se callan. Las mesas se disponen cerca, en comunión, para compartir con todos el momento de la proyección. Los títulos son variados, van desde “Medianoche en París” hasta “Querida, voy a comprar cigarrillos y vuelvo”, pasando por “Copia certificada” y “El gran pez”. La elección es bien recibida y agradecida por los curiosos, los auto declarados expertos o por todo aquel que disfruta de una buena película en un ambiente agradable. Y así la noche pasa, con curso invariable y gratificante, hasta decantar en un the end.

Les recomendamos seguir la programación del ciclo a través de la página en facebook “Luis de imagina dos” o de “Bukowski Bar Laplata”, para no perderse ninguna de las películas pensadas para este año.

Por su parte, los títulos y fechas del Freak Show se encuentran disponibles en la página web del ciclo (www.cinefreakshow.com.ar), pudiendo suscribirse para recibir en el correo todas las actualizaciones.

Este mes, el cine Select ofrece “Batman año uno” los lunes, “Pearl Jam Twenty” los martes, “The yellow sea” los miércoles, “Le voleur” los sábados y “El árbol de la vida” los domingos. Todas las funciones serán a las 22hs y las entradas tienen un valor de cinco pesos.

Desde Transeúntes esperamos que prueben uno, otro, tal vez los dos, que se dejen atrapar por dos ciclos maravillosos que rescatan películas del olvido y se anticipan a lo que viene. Habemus cine.

miércoles, 14 de marzo de 2012

Cuando dos genios se unen


Navegar en internet permite sumergirnos en mundos que quizá nunca hubiéramos alcanzado a ver sin este fenómeno de la globalización. Hace sólo unos días esta transeúnte del ciberespacio descubrió un cortometraje verdaderamente genial. La luz verde le queda chica.
Cuando dos grandes se unen es muy difícil que el resultado sea malo, lo más probable es que sea excelente y esto es lo que sucede con Destino; cortometraje hecho nada más ni nada menos que por el surrealista Salvador Dalí junto a Walt Disney el animador que supo darle vida a los personajes de nuestras vidas.
En 1946 el genio de la animación le pidió a Dalí que se encargue de realizar unas imágenes para una especie de videoclip que formaría parte de un proyecto más grande compuesto de relatos breves. El pintor hizo lo propio pero el cortometraje nunca se terminó.
El proyecto no se llevo a cabo hasta el 2003, cuando Roy Disney decidió darle vida a este corto que combina el ballet, la pintura y la animación. Esta genialidad recrea la historia de Cromos, la encarnación del tiempo quién, a pesar de su deseo, es incapaz de sentir amor.
De fondo se escucha Destino, canción de Armando Domínguez, que da nombre a esta obra de arte, la cuál habla de la fuerza del amor.
Sin más palabras los dejó disfrutar de esta maravilla.



                                                ¿Vos qué color le das?